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24 carteles de películas de todos los tiempos

Los carteles de películas son como cualquier otro diseño de impresión. Donde algunos hacen menos que impresionar, otros brillan como un faro de referencia, llamando a los diseñadores a un estándar más alto. Este es el tipo de diseños que durarán por generaciones (de hecho, algunos ya lo han hecho). Y en veinte años, probablemente todavía estarán colgados en nuestras paredes. Entonces, ¿qué hace que los mejores carteles de películas sean tan icónicos? ¿Y cómo aplicas sus rasgos positivos a tus propios diseños? La única forma de averiguarlo es estudiar los mejores carteles de películas jamás creados.

¿Quieres ver cómo estos diseños han contribuido a la evolución de los carteles de películas a lo largo de los años? Echa un vistazo a este resumen  de diseños.

Metrópolis (1927)

La metrópolis de Fritz Lang es la película más antigua de nuestra cuenta regresiva y un gran ejemplo del cine clásico, y creemos que este póster de la película tuvo algo que ver con esa longevidad. De hecho, el póster es aún más valioso que la película muda que anuncia. Se sabe que solo existen cuatro originales sobrevivientes, uno de los cuales fue valorado en más de $ 1 millón en 2012.

No solo es una obra maestra art deco, el póster combina el estilo de los años 20 con una muestra de lo que vendrá en el futuro. Tome la fuente, por ejemplo, aunque tiene 93 años, parece el tipo de logotipo que podría verse en el álbum de una banda de heavy metal de los años 80 o incluso una de las novelas gráficas de hoy. Como diseñador, nunca puedes estar seguro de si tus ideas son lo suficientemente fuertes como para seguir siendo populares durante un siglo, pero las que lo hacen suelen ser las que se adelantan a su tiempo.

Vértigo (1958)

El director Alfred Hitchcock tenía una habilidad excepcional para trabajar en un medio visual, cualquier diseñador podría aprender una o dos cosas al ver sus películas. Por lo tanto, tiene sentido que el marketing de esta película sea creado por alguien que sea igualmente experto en usar efectos visuales para manipular las emociones de la audiencia.

El legendario diseñador de Hollywood Saul Bass creó este póster de la película para el thriller psicológico Vértigo, que es complejo e hipnóticamente simple, atrayendo y desorientando de inmediato a la audiencia. No se desperdicia un solo elemento, incluso la tipografía dibujada a mano, que es un retroceso a las películas expresionistas alemanas de la década de 1920, le da una sensación de vértigo.

El póster también es un poco profético: se refiere a la película como “la obra maestra de Alfred Hitchcock”, algo extremadamente poco convencional para que un póster original lo diga en el primer lanzamiento de una película. Bass debe haber esperado que la película sobreviviera a largo plazo, y estamos seguros de que su póster de la película lo ayudó a lograrlo.

Anatomía de un asesinato (1959)

Otro ejemplo de Saul Bass, este póster de Anatomy of a Murder es tan simple como parece, pero dice mucho. El título se detalla dentro de las imágenes inteligentes. Los espectadores ven el contorno de un cuerpo, que recuerda el contorno de tiza en una escena de asesinato, pero el cuerpo se compone de diferentes partes individuales para indicar “anatomía”.

Estas imágenes mínimas contrastan con el tema oscuro de la película, lo que facilita al espectador antes de asustarlos. Podemos decir que los detalles más horripilantes se están reteniendo, lo que solo aumenta nuestro deseo de ver la película y descubrir cuál es el gran secreto.

El diseño del póster es tan inteligente que Spike Lee lo usó como inspiración para la película Clockers de 1995, o lo robó, si le preguntaste a Bass. La leyenda del diseño dice de la versión rehecha: “La convención es cuando alguien roba algo, lo llaman un homenaje”.

El graduado (1967)

Seamos realistas: el sexo vende. Pero los diseñadores a menudo lo toman por la borda, pensando que un montón de modelos con poca ropa o insinuaciones pegajosas captarán la atención de la audiencia. El problema es que cuando usas el sexo para vender una película con temas más profundos que requieren un pensamiento real, vas a atraer a una audiencia que solo se preocupa por el sexo y no por el contenido. En cambio, los diseñadores deberían tomar una página de este póster para The Graduate.

En lugar de enyesar el diseño con desnudos, su creador tomó una ruta mucho más sutil. La entrepierna de Dustin Hoffman está sugestivamente cubierta por una pierna seductora (que pertenece a la actriz Linda Gray y no a la estrella de la película Anne Bancroft). Las pistas sexuales despiertan el interés del público en la película y su deseo de conocer a la mujer propietaria de la pierna.

Incluso la pose de Hoffman, con las manos en los bolsillos mientras mira torpemente a la mujer que el público no puede ver, coincide perfectamente con el lema del cartel. Sabemos que su personaje puede ver más de lo que podemos, y nos hace querer ver la película para descubrir qué lo tiene tan preocupado.

El bebé de Rosemary (1968)

Incluso si nunca has visto el clásico sobrenatural Rosemary’s Baby, es probable que te asuste un poco este póster de la película. Por lo general, esperarías que un póster aterrador como este tenga un gran título en la parte superior, ocupando todo ese espacio negativo. En cambio, el pequeño título en la parte inferior deja un espacio en blanco inquietante sobre la cabeza de Mia Farrow, lo que implica que existe algo invisible en ese espacio.

La yuxtaposición entre la gigante y fantasmagórica Mia Farrow y la pequeña sombra del cochecito de bebé conlleva aún más esa sensación incómoda. La idea de un cochecito de bebé dejado solo en la cima de un acantilado evoca la idea del peligro, pero el póster le pide que se pregunte quién está realmente en peligro aquí: ¿el bebé o la madre?

Lo que el viento se llevó (1968)

La pasión, el fuego y el puro drama de este póster de Gone With The Wind le han dado una reputación que tal vez no merezca: muchas personas piensan que este es el póster original de la película.

Pero están equivocados. El verdadero original, que debutó con el primer lanzamiento de la película en 1939, fue solo un simple retrato de Clark Gable y Vivian Leigh encerrados en un beso sobre un fondo blanco. El que conocemos y amamos hoy es en realidad un póster del relanzamiento del trigésimo aniversario de la película.

Simplemente demuestra que siempre hay espacio para aportar nuevas ideas a proyectos antiguos. Gone With The Wind funcionó perfectamente bien en la taquilla con el viejo póster (fue uno de los primeros éxitos de taquilla de Hollywood), pero el póster de relanzamiento es el que capturó la imaginación de la audiencia.

Sería fácil atribuir el éxito del cartel a la fama que acompaña a una película más vendida. Pero al comparar los dos diseños uno al lado del otro, nuestros ojos van automáticamente a la versión de 1968. Los colores brillantes crean movimiento, Vivian Leigh es mucho más provocativa, y las pequeñas pinturas en la parte inferior muestran que la película tiene acción y romance.

Una naranja mecánica (1971)

Solo mirar el póster de A Clockwork Orange de Stanley Kubrick hace que el espectador se sienta un poco incómodo, al ver cómo hay un tipo apareciendo con un cuchillo. El póster hace un gran trabajo al crear diferentes profundidades de campo. Sus capas lo hacen más multidimensional e imponente: lo único que le impide convertirse en parte de este mundo es la barrera negativa del espacio, e incluso eso está siendo violado por una cuchilla.

Este póster recibe mucho amor de otros diseñadores, pero una cosa que no recibe suficiente crédito es el tipo de letra único en el logotipo. Aunque fue claramente diseñado en la década de 1970, también tiene un gran ambiente futurista. Y lo mejor de todo, las “A” en la fuente coinciden con la forma de la que Malcolm McDowell está saliendo.

Calles peligrosas (1973)

La arenosa película de Martin Scorsese Mean Streets, y las imágenes de su póster, se basan en la propia infancia de Scorcese que creció en la Pequeña Italia de Nueva York en los años 40 y 50. El diseñador captura la sensación de Nueva York a través de un collage de imágenes similar a las ilustraciones vectoriales modernas; Los pocos detalles en el espacio negativo le dan estructura.

Perforando directamente a través de la ciudad hay una pistola fría y negra sostenida por una mano invisible que sangra en el espacio negativo. La pistola todavía humea, después de haber sido disparada recientemente, y su cañón que se fusiona con el horizonte de la ciudad parece la chimenea de una fábrica. Es un diseño inteligente que se adelantó un poco a su tiempo: este es el tipo de obra de arte que esperaría ver hoy en una caja de videojuegos.

Tiburón (1975)

La razón por la que el póster de la película Jaws funciona tan bien es porque le da al público su primer susto, incluso antes de que vean la película de terror. No puedes evitar ponerte en la posición de nadador e imaginar un tiburón al acecho debajo de ti, esperando para atacar.

El tamaño del tiburón es exagerado para lograr un efecto dramático: es lo suficientemente grande como para ser una bestia prehistórica, con una boca lo suficientemente grande como para tragarse a la mujer entera. Es tan enorme que es posible que te hayas perdido algunos de los otros excelentes detalles incluidos en este diseño de póster, como cómo la “J” en Tiburón se parece a un anzuelo.

Otra cosa que falta: el póster original. El diseñador Roger Kastel, quien en realidad creó la portada del libro para la novela Jaws antes de su transformación en película, vio por última vez el póster en la Sociedad de Ilustradores cerca del momento del lanzamiento de la película. No se sabe si el cartel fue robado. “O alguien lo tiene, o se pierde en el almacenamiento en Universal [Studios]”, dice Kastel.

Star Wars: Una nueva esperanza (1977)

Por ahora, sabemos que el póster original de Star Wars: A New Hope era un poco de publicidad falsa. Luke Skywalker no es un guerrero bárbaro musculoso, la princesa Leia no es una supermodelo escasamente vestida, y no es así como funcionan los sables de luz. Pero este póster de la película ha resistido el paso del tiempo y las innumerables secuelas de la franquicia porque hace una cosa realmente bien: abre su imaginación.

Cuando el público vió este cartel por primera vez en los años 70, no sabían qué esperar de Star Wars. El póster les dio detalles suficientes para que su imaginación funcione. Hay héroes, villanos y la promesa de un conflicto épico. Para el momento en que el público descubrió que Luke era en realidad un idiota flaco y que Leia era más dura que sus homólogos masculinos, no importaba que el cartel hubiera mentido, ya estaban enganchados.

E.T. (1982)

Hay dos versiones conocidas de E.T. póster de la película: esta y la otra representan la famosa foto de la bicicleta volando frente a la luna. Elegimos esta versión, no solo porque es el póster original de la película, sino porque la idea vino del propio Steven Spielberg.

Spielberg quería presentar a E.T. y los dedos de Elliot tocando en homenaje a la pintura de Miguel Ángel La creación de Adán. Dado que E.T. a menudo se considera un sustituto alegórico de Jesús, es lógico que el póster le dé al pequeño tanto asombro y reverencia como lo hizo Miguel Ángel a su representación de Dios. Y para agregar un toque personal, la hija del ilustrador de Hollywood John Alvin se hizo pasar por la mano de Elliot.

El E.T. El póster tuvo tanto éxito al capturar las emociones de la película que ganó múltiples premios y, según Alvin, fue su trabajo más satisfactorio. El CEO de Dreamworks, Jeffrey Katzenberg, lo resume mejor: “De alguna manera, John pudo capturar la emoción de una película completa en una sola imagen”.

Blade Runner (1982)

La ilustración pintada a mano siempre ha sido un elemento popular en los carteles de películas, especialmente para películas con muchos elementos fantásticos que serían difíciles de mostrar con la fotografía regular. Otra pieza de la prolífica carrera de John Alvin, elegimos este póster de la película para Blade Runner como uno de sus logros más importantes.

Combina la sensación de cine negro de la película con impresionantes imágenes de ciencia ficción. Mirando hacia la ciudad futurista, el espectador se ve atraído por este nuevo mundo de una manera casi emocionante, como si estuvieras en caída libre.

El uso de la luz de Alvin contribuye al efecto de caída. Las líneas de luz crean movimiento, mientras que la luz que golpea ambos lados de las caras de Harrison Ford y Sean Young desorienta al espectador. Según el diseñador diseñador Frederico Tio, esta es una marca registrada de Alvin. “John siempre trajo esta cualidad mágica, casi romántica a su trabajo. Su sentido de la luz … fue espectacular ”, dijo Tio al LA Times.

La cosa (1982)

Hay una razón por la que Drew Struzan es una leyenda del arte cinematográfico. Creó este póster para The Thing literalmente de la noche a la mañana, y lo hizo sin ninguna guía. La “Cosa” aún no había sido diseñada, por lo que Struzan hizo lo que cualquier buen diseñador con un monstruo misterioso haría. Dejó que la audiencia imaginara una criatura más horrible que cualquier cosa que se le ocurriera.

La energía de otro mundo que brota de la cara de la Cosa es como un espejo que refleja el peor temor de la audiencia, ya sea una criatura con cara de tentáculo o un monstruo con colmillos goteando. Dejar The Thing un misterio obliga al público a ver la película y descubrir qué es realmente.

No le diremos cuál es la Cosa en la película, en caso de que sea una de las dos personas que no la hayan visto. Pero la Cosa en el cartel es Drew Struzan en un traje de nieve.

Scarface (1983)

De acuerdo, admitimos que a menudo cuelga en dormitorios y casas de fraternidad. Pero considere esto: hay una razón por la cual el póster de la película Scarface está tan arraigado en la cultura pop. Su diseño simple y limpio utiliza espacios negativos y sombras para crear una sensación de poder.

Al Pacino se mezcla dentro y fuera de las sombras y la luz, creando una ilusión óptica que alude a la naturaleza impredecible de su personaje. A la sensación de amenaza del póster se agrega la fuente roja sangre, que tiene letras estrechamente entretejidas para crear tensión en el diseño.

El actor que interpretó a Manny Ribera, Steve Bauer, dijo a los periodistas que la película se ha mantenido como parte de la cultura pop porque “tiene un tono muy específico. Es brutal, pero hay un extraño sentido del humor “. El póster combina perfectamente con ese tono, desde la expresión enojada de Al Pacino y el revolver listo hasta la forma extrañamente divertida en que su mano izquierda flota en el espacio vacío. Un póster de la película de los 80 que captura toda la emoción de una película de un solo golpe: solo podría ser obra de John Alvin.

Silencio de los corderos (1991)

Cuando miras por primera vez el póster de la película El silencio de los corderos del diseñador Dawn Baillie, ves a Jodie Foster con la boca tapada por un Hawkmoth de la Cabeza de la Muerte, una especie conocida por las marcas en su espalda que parecen una calavera. Puede pensar que eso es todo lo que hay en el póster, solo la cara de una niña y un error, pero en realidad hay una imagen oculta en el cráneo.

Se compone de siete cuerpos de mujeres. El director Jonathan Demme sugirió usar la imagen, que en realidad es una fotografía antigua tomada por el artista surrealista Salvador Dalí. Se rumorea que los siete cuerpos son una referencia a las mujeres víctimas en la película. Esto hace que la polilla que cubre la boca de Foster sea aún más escalofriante, lo que implica el “silencio” del título de la película.

Incluso sin las imágenes ocultas, el póster sigue siendo inquietante. Entonces, para evitar que te asustes por completo, aquí hay otro hecho divertido que probablemente no sabías sobre la película: dado que la película usaba Death’s Head Hawkmoths en vivo, el estudio trajo no uno sino dos “entrenadores de polillas” para asegurarse de que las polillas fueran atendidas adecuadamente.

Parque Jurásico (1993)

Cuando lo piensas, el póster de Jurassic Park mostró bastante moderación. Más de veinte años después de su lanzamiento, la película todavía se considera una maravilla de efectos especiales por la forma en que hizo que los dinosaurios en la película se vean y parezcan reales por primera vez. Y, sin embargo, ni un solo CGI o dinosaurio animatrónico aparece en el póster de la película, solo un logotipo.

Sorprendentemente, funciona por completo, porque la marca de la película es idéntica a la marca que se ve en el parque ficticio de la película. Pero mientras John Alvin diseñó el póster, el logotipo del parque no fue obra suya. Ese crédito es para Sandy Collora, quien a su vez basó el logotipo en la portada que el diseñador Chip Kidd creó para la novela de 1990 Jurassic Park.

El esqueleto de T-rex, que Kidd eligió porque todo lo que queda de dinosaurios reales son huesos, ha sido parte de la cultura pop desde entonces. Una vez bromeó: “Se convirtió en uno de los íconos más reconocibles de la década de 1990. Mi obituario probablemente comenzará con esto y no irá mucho más lejos ”. Ese ícono es lo que hace que el póster sea una representación perfecta de los temas más profundos de la película y uno de los primeros usos exitosos de los elementos de meta branding en marketing.

Pulp Fiction (1994)

Pulp Fiction de Quentin Tarantino se inspiró en las historias arenosas y llenas de vapor que se encuentran en revistas de pulpa. El póster de la película captura esa esencia: es un retroceso a la portada de una revista pulp, completa con fuentes retro y un precio de diez centavos. Incluso parece desgastado y arrugado, como si alguien lo hubiera dejado en una cuneta.

Pero si el póster parece una portada de revista de pulp fiction, lo hace con un giro. El diseñador James Verdesoto señala que el personaje de Uma Thurman es más fuerte y más moderno que las mujeres fatales típicas de las portadas de mag, algo que retrató a través de su pose, vestido largo y mirada insolente. El objetivo de Verdesoto era tan simple como desafiante: “Si haces un homenaje al pasado, sí, pero tienes que atrapar al público contemporáneo con él”.

La prueba del éxito de Verdesoto está en la popularidad del afiche. El último de los más de 200 carteles que creó para Miramax Films antes de comenzar su propio negocio, el galardonado diseño de Pulp Fiction todavía está colgado en nuestras paredes.

Los sospechosos de siempre (1995)

Por lo general, los diseñadores hacen carteles de películas, no al revés. Cuando el director Bryan Singer leyó una columna de una revista llamada “Los sospechosos habituales”, decidió que sonaba como un buen título de película. A partir de ahí, fue un pequeño salto al diseño del póster de la película: una formación policial con un montón de personajes diferentes que el público conocería en el transcurso de la película.

Entonces, naturalmente, este diseño es una representación precisa de lo que se trata la película. Las sombras son la primera parte del póster que llama nuestra atención, lo que funciona perfectamente ya que la audiencia comienza conociendo solo detalles confusos. El eslogan te atrae y te hace querer saber más sobre estos personajes, mientras que los actores representan formas que muestran la personalidad de sus personajes. Es casi como si ya hubieras comenzado a ver la película.

Showgirls (1995)

Showgirls fue una de las peores películas de los años 90. Tuvo trece nominaciones para los premios Golden Raspberry de 1995 (ganó 7 de ellas) y mantiene una calificación de menos del 20% en Rotten Tomatoes. Aunque es conocido por ser un desastre cinematográfico, Showgirls vino con un lado positivo: un cartel icónico y distintivamente estilizado.

Si bien hubiera sido fácil juntar una imagen cursi de Elizabeth Berkeley con un atuendo escaso, el diseñador usó el espacio vacío para convertir su cuerpo en una cinta escurridiza (una tira, por así decirlo) para una calidad seductora y misteriosa. El póster clásico sigue inspirando a artistas: la Tentación de Tyler Perry: Confesiones de un consejero matrimonial imita de cerca el diseño.

Entonces, ¿quién creó el diseño que eclipsa la película para la que fue hecha? Bueno, el diseñador gráfico no tuvo tanto que ver con eso como podría pensar. El póster es una representación de una foto de 1992 de Tono Stano, que más tarde se convirtió en la portada de un libro sobre fotografía. MGM sacó una licencia para adaptar la foto, colocando a la actriz estrella Elizabeth Berkeley en el lugar de la modelo y agregando el texto.

Fargo (1996)

El póster de la película para Fargo podría ser la primera instancia en la que se usó el punto de aguja para anunciar una película. Por supuesto, no es un punto de aguja real, pero la calidad de la textura aún te hace creer que puedes extender la mano y tocar las puntadas. Incluso provocó una tendencia entre los fanáticos que crearon sus propias versiones de punto de cruz del póster, como esta.

La marcada disparidad entre el punto de cruz kitsch y el cadáver sangriento define perfectamente la atmósfera espantosa pero hogareña de la película. Los dos elementos contrastantes se unen a la perfección con el uso de la aguja y el hilo rojo, que sirve como sustituto de un arma homicida y sangre.

Mientras lo tenemos aquí, nos gustaría aclarar algo: contrario a la creencia popular, Fargo no es una historia real. La película tiene similitudes con dos casos de asesinato en Minnesota, el escenario de la película y el estado natal de los hermanos Coen. Es esta mezcla de hominess de pueblo pequeño y el exotismo del asesinato lo que hace que la película y el póster sean tan efectivos. Pero sigue siendo falso. Lo siento niños.

Little Miss Sunshine (2006)

Este póster de drama independiente Little Miss Sunshine es un gran ejemplo de cómo encajar un montón de personajes en un póster sin convertirlo en una pesadilla ocupada. Todo el elenco se presenta sin solo estar posando para la cámara, están creando una historia a través del movimiento. Incluso con el estilo minimalista, está claro que esta familia caótica se está uniendo en un apuro.

El fondo amarillo también tiene mucho sentido: ¿qué otro color usarías para una película con “sol” en el título? Y aunque la combinación de colores es brillante y alegre, está lo suficientemente apagada como para no dañar los ojos. El uso de la sombra sugiere aún más la luz del sol y subraya el movimiento de los actores. Incluso el título sugiere acción, con cada palabra cada vez más grande para que coincida con el movimiento hacia adelante del autobús, uno de los cinco microbuses VW modificados utilizados durante la filmación.

Luna (2009)

Este póster para Moon encapsula perfectamente la atmósfera y la sensación de aislamiento de la película. En una película en la que el protagonista está siendo clonado constantemente, hubiera sido fácil poner múltiples Sam Rockwells en el póster, o al menos hacer algún tipo de imagen especular. La imagen única del actor hace que la tristeza original de Sam sea aún más real. El único indicio de su destino como clon es el lema.

Pero el traje más fuerte del cartel es la forma en que despierta recuerdos de películas de ciencia ficción más antiguas y más cerebrales de los años 70, como 2001: A Space Odysessy. Fue una forma inteligente para el diseñador indicar que Moon era más una película de ciencia ficción de un hombre pensante que la típica tarifa de ópera espacial. Mirar fijamente este cartel durante demasiado tiempo seguramente te mareará un poco, lo que funciona perfectamente con la atmósfera de la película. (Sin mencionar que es un poco un retroceso a la vertiginosa espiral en el póster de Vértigo).

El caballero oscuro se levanta (2012)

El póster de The Dark Knight Rises utiliza un espacio negativo para crear el logotipo de Batman que conocemos y amamos, como se ve a través de los escombros de un paisaje urbano que se derrumba (presumiblemente, Gotham City). No hay personajes, ni lema, ni siquiera un título Y, sin embargo, todo el mundo sabe exactamente en qué se basa en las sorprendentes señales visuales que se han trabajado en el diseño.

El espectador parece estar a nivel de la calle, mirando hacia el cielo hacia el logotipo de Batman y simbolizando la idea del Caballero Oscuro literalmente “en ascenso”. El cartel es oscuro y de mal humor, algunos incluso dirían apocalíptico, con el espectador atrapado debajo de los escombros que caen de Gotham City. Pero inclinar la cámara hacia el cielo trae una sensación de esperanza. Cuando termines de mirar el póster, estarás levantando la cabeza.

X-Men: Días del futuro pasado (2014)

En nuestro resumen anterior, fuimos un poco duros con un póster de personaje para X-Men: First Class, por lo que pensamos que estaríamos a la altura de los mutantes de Marvel al incluir estos pósters de personajes de paisajes para la secuela de la película, X-Men: Days del futuro pasado.

Las imágenes se parecen a los carteles deseados que aparecen en el cómic original. Y gracias a la trama de viaje en el tiempo de la película, las versiones más jóvenes y más antiguas del Profesor X y Magneto aparecen en la pantalla. Estos carteles de personajes visualizan eso al superponer las caras de los actores más jóvenes sobre sus contrapartes mayores. Es sorprendente lo cerca que se ven estos dos conjuntos de actores, y el uso de la marca “X” simplemente lo une todo.

La colocación de la X sobre los ojos de los personajes atrae la atención del espectador hacia el lugar perfecto. Y en lugar de molestarse con textos innecesarios, el diseñador simplemente puso la fecha de lanzamiento de la película en la esquina inferior derecha. El estilo minimalista funciona porque destaca personajes que el público ya conoce y ama.

Fuente: companyfolders.com

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